La vie d'artiste

Un moment avec Mary Whyte

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Le quatrième d'une série quotidienne exclusive d'artistes:
Maîtres de l'aquarelle américaine - Mary Whyte

La Portrait Society of America a annoncé que Mary Whyte
est le récipiendaire 2016 de sa médaille d'or. Ce prix est la plus haute distinction de la Société.

Comment vous êtes-vous intéressé à l'aquarelle?

J'ai fait l'expérience de l'aquarelle pour la première fois quand j'étais dans une classe d'art parascolaire de septième année. Je me souviens que l'enseignant avait pris ma main avec le pinceau chargé et avait fait un trait courbé et audacieux sur toute la section du ciel du tableau. Pour moi, cela ressemblait à une comète colorée traversant le ciel, laissant derrière lui une queue avec de minuscules étincelles de papier blanc. Je n'ai jamais surmonté ce sentiment d'exaltation quand je peins à l'aquarelle.

Je comprends que tu t'es appris la peinture à l'aquarelle. Comment as-tu fais ça?

Dans les années 70 et 80, il n'y avait pas de vidéos en ligne ou de DVD pédagogiques sur la technique de l'aquarelle. L'aquarelle n'était pas (et n'est toujours pas) traditionnellement enseignée dans de nombreuses académies, car elle a toujours été considérée comme un médium «léger». À l'époque, je ne pouvais trouver personne pour m'enseigner l'aquarelle. J'ai donc appris diverses techniques par moi-même en étudiant des livres d'art et en allant dans des musées. J'ai appris par l'expérimentation, l'essai et beaucoup d'erreurs.

Quels sont les aquarellistes qui vous ont le plus inspiré?

Les aquarellistes qui m'ont le plus inspiré sont Andrew Wyeth, John Singer Sargent, Winslow Homer et Henry Casselli.

Vos peintures reflètent un intérêt sincère pour les gens. Comment choisissez-vous vos sujets?

J'ai toujours été intéressé par la peinture des gens. Je choisis des sujets qui me semblent d'une qualité profonde et sans prétention. En moyenne, chaque jour, ce sont les gens qui vivent leur vie en grande partie inaperçus qui me plaisent le plus.

Vous avez dit qu'un artiste doit apprendre à ressentir autant qu'à voir. Pouvez-vous nous l'expliquer?

La création d'une œuvre expressive comporte trois volets. Le premier est d'apprendrecomment peindre, ce qui signifie apprendre le vocabulaire de la composition et de la technique. Le deuxième aspect est l'apprentissagecomment voir, qui concerne le discernement des nuances de valeur, de couleur, de forme et de lumière. Le troisième aspect est d'apprendre à reconnaîtrecomment et ce que nous ressentir, et traduire cette sensation et cette émotion particulières en une œuvre d'art expressive et significative. Cette dernière composante est ce qui définit en fin de compte le grand art - un travail qui illustre ce qui est essentiel pour l'artiste et qui est ressenti par le spectateur.

Votre travail est réputé pour sa conception solide. Faites-vous de petites ébauches préliminaires et des études de valeur?

Le design est une composante majeure de la peinture et est trop souvent négligé par les artistes. Pour moi, la partie la plus critique de la réalisation d'une peinture se trouve dans les croquis préparatoires de vignettes. Ici, le concept est rendu clair en ayant un design concis, une forme dominante et des valeurs simplifiées.

Travaillez-vous aussi bien de la vie que des photos?

Idéalement, j'aimerais terminer toutes mes peintures de la vie, car c'est là et quand l'émotion brute et la nuance de couleur sont les plus évidentes. Cependant, comme je peins souvent des gens au travail ou en mouvement, il n'est pas possible de les garder immobiles pendant des heures.

Généralement, je préfère faire une étude sur le lieu de la vie, puis prendre plusieurs photos pour référence, et enfin, planifier et terminer la peinture en studio. Les photographies m'offrent plus d'informations sur l'apparence du modèle, ainsi que des suggestions d'éléments d'arrière-plan et de composition. Je compte sur ma mémoire et mon imagination pour savoirpourraitêtre, puis éditez presque tout le reste. Jamais une peinture n'est exactement ce que j'ai vu, mais c'est toujours ce que j'ai ressenti.

Combien de dessin préliminaire faites-vous pour vos grands tableaux d'atelier?

En aquarelle, il y a très peu de place pour les erreurs, il est donc important d'avoir un dessin bien planifié à l'avance. Dans les grandes zones d'arrière-plan, je dessine très peu, mais dans les zones compliquées et détaillées telles que les visages, je dessine soigneusement les formes de valeur descriptive avant de commencer à peindre. Avoir un dessin adéquat sur le papier à l'avance, c'est comme avoir une feuille de route et cela me donne la confiance de pouvoir peindre rapidement et d'un seul coup.

Quelle taille de pinceaux utilisez-vous - généralement le plus grand et le plus petit?

Les étudiants sont souvent surpris d'apprendre que le plus petit pinceau que j'utilise est un kolinsky rond numéro 8. La brosse élastique arrive à un point parfait, me permettant de peindre autour d'un minuscule cil ou de faire un trait plus large. Le pinceau que j'utilise est fabriqué par ArtXpress et est dans ma main 80% du temps. Les autres brosses que j'utilise sont de larges brosses plates de deux ou trois pouces, une langue de chat de 1 pouce (également fabriquée par ArtXpress) et une vieille brosse à dents pour le récurage.

Pour vos zones plus contrôlées, construisez-vous généralement la couleur et l'intensité en couches?

Je sais que de nombreux artistes superposent l'aquarelle en émaux successifs. Je préfère peindre la zone en une seule fois pour conserver la fraîcheur de la couleur. Même mes arrière-plans les plus sombres se font généralement en un seul passage, ce qui permet à la zone d'avoir plus d'atmosphère et de profondeur. Les détails sont peints lentement.

o vous avez des couleurs sur lesquelles vous vous fiez à maintes reprises - et d'autres que vous essayez d'éviter?

Il existe de nombreuses bonnes marques d'aquarelle à la disposition des artistes de nos jours. Ma préférence personnelle est la peinture faite par M. Graham Company. À l'exception des pigments qui s'estompent, il n'y a pas de «mauvaises» couleurs - juste des couleurs utilisées au mauvais endroit. Je préfère utiliser des couleurs plus transparentes pour peindre la qualité translucide de la peau et des couleurs plus opaques pour peindre les effets de surfaces solides comme le béton, l'écorce ou la saleté.

Quel papier préférez-vous généralement - marque, presse à froid, presse à chaud, etc.?

J'ai essayé plusieurs types de papier, mais je reviens toujours à la presse à froid d'Arches pour sa texture et sa résistance au récurage. Je suggère aux artistes de continuer d'essayer différents papiers, de trouver ce qui convient le mieux à leur style, ainsi que d'être parfois mis au défi par une surface nouvelle et différente.

Préparez-vous votre papier de quelque manière que ce soit, en le mouillant, en l'étirant, etc.?

Je préfère généralement le papier plus lourd tel que 300 livres qui n'a pas besoin d'être étiré, car la prise d'une agrafeuse en voyage ajoute du poids supplémentaire. Cependant, dans le studio, j'agrafe et colle mon papier sur du carton gator. Le fait d'avoir le grand papier bien ancré me donne une surface stable et plate adaptée à la peinture de grands lavages.

Quel est le meilleur conseil que vous puissiez offrir à un jeune aquarelliste en herbe?

L'aquarelle est pleine de surprises inattendues, ce qui en est la beauté intrinsèque. Cependant, parfois, l'aquarelle se détend, court, devient striée ou crayeuse de manière imprévue et ruine le travail. Lorsque cela se produit, ne vous dites pas que vous êtes un mauvais peintre. Dites plutôt "N'est-ce pas intéressant? " Prenez note de la façon dont cet effet imprévu s'est produit, car quelque part sur la route, vous souhaiterez que l'aquarelle se comporte exactement de cette façon à nouveau.

Mary Whyte est une enseignante et artiste dont les peintures ont gagné une reconnaissance internationale. Elle réside à Johns Island, en Caroline du Sud. Là, elle tire une grande partie de son inspiration des habitants locaux qui sont les descendants des esclaves côtiers de la Caroline.

Au fil des ans, le travail de Mary a été présenté dans de nombreuses expositions personnelles extrêmement réussies. Parmi eux, des expositions parrainées par le Butler Institute of American Art, le National Arts Club de New York, le Greenville County Museum of Art et le Mennello Museum of American Art. Mary a reçu de nombreux prix et médailles. En 2012, elle a reçu le prestigieux prix Elizabeth O’Neill Verner et elle recevra le prix de la médaille d’or 2016 de la Portrait Society of America.

Mary a été présentée dans «CBS Sunday Morning». Et, en 2013, une biographie de Mary a été publiée, "More Than A Likeness, The Enduring Art of Mary Whyte", écrite par Martha R. Severens. Mary est elle-même l'auteur de plus de cinq livres, dont «Down Bohicket Road», une revue de plus de 20 ans de son travail à Johns Island. Maintenant, elle continue de peindre et d'enseigner aux niveaux national et international.


Voir la vidéo: Watercolor Demo. Chattanooga Dome Building. Iain Stewart (Août 2022).