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Tout sur la nature morte

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Peinture nature morte

Le genre de la nature morte est aussi divers que son histoire est longue. De l'époque des Égyptiens où les peintures de nourriture et d'objets de valeur étaient représentées sur les murs des tombes, les mosaïques au sol et les peintures murales de Pompéi aux œuvres d'art de la Haute Renaissance jusqu'à la peinture contemporaine de nature morte d'aujourd'hui, le genre a toujours été celui vers lequel les artistes se tournent. encore et encore.

Les objets vers lesquels gravitent les peintres de natures mortes sont également aussi variés, des objets du monde naturel à ceux fabriqués par des mains humaines. À travers eux, des compositions d'art de nature morte articulent des idées sur le luxe et l'excès, le symbolisme religieux, les explorations personnelles et allégoriques et les réflexions humaines universelles sur la vie et la mort.

La pratique des beaux-arts de la nature morte est celle que les artistes se sont engagés au cours des siècles, car les éléments essentiels de l'art peuvent tous être explorés, y compris la couleur, la forme, la composition et la lumière. Les artistes peuvent se tourner vers ce genre unique pour trouver les réponses que les peintres tentent toujours de trouver.

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Démo de peinture à l'huile nature morte

Ismael Checo utilise des couleurs riches pour créer une expérience exotique et intense du monde. Ici, nous présentons une démo de peinture nature morte exclusive en ligne comme exemple de sa technique de peinture à l'huile.

Matériaux de Checo

Palette

Peintures à l'huile de divers fabricants, dont Holbein, Winsor Newton et Gamblin

Brosses

Brosses en poils et sable de divers fabricants

Soutien

Principalement du lin apprêté au plomb et parfois un panneau en panneau MDF apprêté avec du gesso acrylique de Liquitex

Moyen

Un mélange d'huile de stand et de gomme de térébenthine

Vernis

En tant que vernis final, le vernis synthétique Rembrandt de Talens

Étape 1
L'artiste commence par dessiner avec un lavis de bleu outremer, de terre de Sienne brûlée et de blanc écaillé. Les ombres sont lavées pour créer un rendu grisaille simple du sujet massé dans les formes les plus simples et les plus claires.
Étape 2
À l'aide d'une brosse à poils, l'artiste applique la couleur à grands traits pour établir les relations majeures dans la composition.
Étape 3
Travaillant lentement et prêtant une grande attention à l'impression de couleur à chaque point de l'image, l'artiste fait des déclarations simples et claires en mélangeant et en plaçant une couleur à la fois. L'artiste est enclin à exagérer légèrement la saturation de la couleur en sachant qu'il pourra revenir plus tard et ajouter du gris si besoin. Bien que l'artiste fasse un peu de mélange et de gommage avec le pinceau, il prend soin de ne pas surcharger l'image.
Étape 4
Dans certains cas, l'artiste passera à un pinceau en zibeline vers la fin du tableau pour réaliser une œuvre finie plus délicate et plus rendue.La peinture terminée: Démonstration de nature morte2003, 10 x 15½. Collection de l'artiste.

Établir la norme de l'art de la nature morte

La peinture hollandaise de nature morte a établi la norme en matière de virtuosité hors du commun au 17e siècle, et je n'oublierai jamais le mélange inhabituel d'objets que ces artistes ont choisi de représenter: de la nourriture de toutes sortes, de l'argenterie polie et du verre brillant, des nappes brodées et très travaillées, et des tonnes et des tonnes de fleurs.

Ce que j'oublie parfois, c'est à quel point tous ces objets étaient symboliques pour le public qui a eu l'occasion de les voir il y a toutes ces années. Et il est également intéressant de noter que les artistes ont souvent choisi délibérément de représenter des éléments qui pourraient être un défi à peindre pour montrer leurs compétences en peinture.

Tout ce symbolisme et ce désir de se montrer ont donné lieu à de nombreuses peintures qui paraissent au-dessus et un peu irréelles. Prenez par exemple la peinture florale de nature morte. La peinture de fleurs était un thème populaire pendant l'âge d'or de la peinture néerlandaise. Symboliquement, les artistes et les téléspectateurs s’intéressaient à la nature de l’existence d’une fleur - de la coupe fraîche et de la floraison au flétrissement et à la mort - en raison de la leçon «morale» implicite derrière le travail, à savoir que la vie est éphémère et la mort, une certitude.

Mais les fleurs fraîches dans un tableau étaient aussi un signe de luxe suprême. Au cours du 17e siècle, avoir un bouquet de fleurs était pratiquement inconnu, même dans les ménages les plus riches. En fait, dans la plupart des maisons néerlandaises, les fleurs n'étaient pas du tout affichées de la manière dont nous sommes habitués. Au lieu de cela, les fleurs étaient affichées une par une dans de petits vases ou des porte-tulipes conçus spécifiquement pour contenir relativement peu de fleurs.

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En créant ce genre de peinture florale ostentatoire qui dépeignait des bouquets incroyables que la plupart des téléspectateurs ne pouvaient jamais espérer voir en personne ou avoir chez eux, les artistes accomplissaient deux choses: L'une, soulignant l'artifice de ces étalages pour rappeler que la vie n'est pas une question de luxe et de stocker de telles choses est un gaspillage. Mais ils ont également renversé ce message: en affichant de si beaux bouquets, ils ont d'abord tenté de faire acheter le tableau, donnant essentiellement l'idée que vous ne pouvez pas avoir de tels luxes dans la vraie vie, mais cette peinture leur donnera pour vous et les fleurs de ce tableau ne mourront jamais.

Pour nous, faire avancer la tradition de la peinture néerlandaise et faire partie de ce genre de vie stimulant et fascinant signifie vraiment comprendre la motivation de l'art et l'exécution technique qu'il a fallu pour arriver à ces œuvres finales incroyables et travailler vers la peinture. fondation, nous devons avoir notre propre âge d'or artistique.

Points focaux lors de la peinture de natures mortes

Décider où placer les éléments dans une peinture peut être difficile, mais les décisions sont cruciales pour créer une nature morte réussie. Lorsqu'une composition est bien faite, elle peut passer inaperçue; cependant, une pièce mal composée frappe instantanément l'œil du spectateur comme maladroit. Le but d'une composition de nature morte est de diriger le regard du spectateur à travers une peinture et de le conduire vers ce que l'artiste pense être important. Bien qu’il n’existe pas une seule bonne façon de procéder, il existe des dispositifs spécifiques que l’on peut utiliser pour attirer l’œil du spectateur sur un point d’intérêt, ainsi que pour créer l’illusion d’objets existant dans un espace tangible.

De nombreux peintres débutants ont tendance à consacrer leur énergie au dessin et à la peinture d'objets avec précision et ont du mal à créer une composition forte. "Il est facile de se laisser submerger par toutes les possibilités", explique l'artiste-instructeur James Sulkowski, qui enseigne des ateliers en plein air pour aider les élèves à surmonter la peur de la prise de décision. Certains artistes-instructeurs suggèrent d'utiliser un viseur, que de nombreux artistes utilisent lorsqu'ils sont confrontés à une grande scène. On peut acheter un viseur dans n'importe quel magasin de fournitures d'art, ou en faire un simple en carton. Quel que soit le matériau, il sert le même objectif: un viseur permet à un artiste d'isoler les éléments clés d'une scène, ainsi que de visualiser plusieurs compositions avant d'en commettre une sur papier.

Face à une grande scène, il est utile de poser plusieurs questions. Pourquoi est-ce que je veux peindre cette scène? Qu'est-ce qui m'a d'abord attiré? Quel contenu est nécessaire pour attirer le spectateur et lui faire ressentir ce que je ressens? À la réponse à ces questions, il devient clair qu'une scène donnée n'est pas figée. Un artiste peut modifier la scène en fonction des émotions ou du message qu'il cherche à partager avec le spectateur. Un portrait de nature morte est destiné à stimuler l'imagination et à exciter les sens; ce doit être une image qui ne demande qu'à être peinte ou dessinée. Si une certaine zone ou image n'est pas attrayante, changez de lieu ou choisissez des sujets alternatifs. Ou, on pourrait recadrer une scène étroitement et se concentrer sur des détails infimes qui passent souvent inaperçus dans une grande scène.

Sulkowski recommande aux élèves de déterminer le point focal avant d'appliquer le pinceau sur la toile. «Peu importe les circonstances, un artiste doit identifier le point focal de sa peinture, puis structurer le processus de peinture afin que le spectateur comprenne immédiatement le centre d'intérêt. Lorsque vous peignez en plein air, il est très important de garder cette concentration à l'esprit afin que le temps et l'énergie ne soient pas gaspillés à élaborer des zones de la toile qui sont d'une importance secondaire. " Il en va de même pour la peinture d'une nature morte.

L'artiste-instructeur de Nashville, Gayle Levée, fait passer des heures à ses étudiants dans l'organisation d'éléments pour créer la meilleure composition. Elle conseille qu’ils ont initialement rassemblé plus d’objets qu’ils ne pensent en avoir besoin dans leur œuvre de nature morte, puis qu’ils en choisissent un comme point focal. «Placez d'abord cet objet, puis placez les pièces de support autour de lui», suggère-t-elle. Lors de la peinture d'une nature morte, Levée commence par le point focal et effectue des mesures sur la toile proportionnelles au centre d'intérêt.

Dans sa peinture Reflets en or, Levée utilise la règle des tiers pour attirer le regard du spectateur sur le vase et le fruit (voir une démonstration de la pièce). Il s'agit de l'un des nombreux appareils qui peuvent attirer l'attention du spectateur sur un centre d'intérêt. Cette règle, employée dans la peinture et la photographie, est censée donner une composition plus esthétique. Il conseille aux artistes de diviser une toile en trois sections à la fois horizontalement et verticalement, et de placer le centre d'intérêt à un point d'intersection, ou dans le tiers supérieur ou inférieur du cadre. Ce faisant, le point focal est retiré du «point mort» de la toile et l'œil du spectateur est dirigé à travers tout l'espace. Une fois qu'un point focal est établi, la détermination des émotions ou du message qu'il évoque aidera à décider lequel des outils susmentionnés racontera le plus efficacement une histoire visuelle claire et évocatrice.

Véritable immobilité dans une nature morte

Sarah Siltala peint principalement des natures mortes et des paysages, bien qu'elle dessine parfois des personnages au fusain pour affiner ses compétences en dessin. «Je suis inspirée par la nature et ses généreux cadeaux, que ce soit un fruit, une fleur, un nuage, un arbre ou un oiseau», dit-elle. «Voir la beauté partout m'inspire pour peindre.» Cela n'est pas surprenant étant donné que l'artiste a grandi entouré par le paysage pittoresque du Nouveau-Mexique, qui attire des artistes de plein air du monde entier depuis des décennies. Parfois, l'inspiration la frappe instantanément, et d'autres fois, elle doit ruminer sur un sujet avant d'être émue pour le peindre.

Siltala se tourne souvent vers son carnet de croquis dans lequel elle conserve divers dessins, idées et images qui l'inspirent alors qu'elle se prépare à peindre. Elle passe un temps considérable à déterminer la composition de ses tableaux de natures mortes, cherchant à créer un sentiment de calme et de paix dans son travail. "Je ne suis pas attirée par les compositions occupées", dit-elle. «Au lieu de cela, je me concentre sur une ou deux idées principales. Lors de la configuration de mes natures mortes, je réorganise et supprime généralement les objets afin d'être sûr d'attraper la lumière et l'ombre optimales dans la peinture finale. » Quand elle est satisfaite de son arrangement de nature morte, elle prend plusieurs photos de sa configuration finale pour référence dans le studio. Elle travaille souvent sur plus d'une peinture à la fois, ce qui rend impossible l'installation de toutes les natures mortes tout au long du processus de peinture.

Après avoir coupé et dimensionné son panneau de bois, elle applique du gesso puis dessine sa composition au fusain. Elle commence à peindre avec des lavages légers, en développant lentement la couleur. Si vous regardiez une démo de nature morte de Siltala, vous la verriez travailler dans le style des vieux maîtres, construisant couche après couche de glaçures transparentes. Elle cite Corot, Rembrandt et Inness comme ses inspirations. Quelle que soit la taille de sa surface, les pièces de Siltala prennent des semaines à compléter, car chaque couche doit sécher complètement avant de pouvoir appliquer la suivante, même si elle utilise un milieu alkyde pour accélérer le processus de séchage.

«Je joue souvent avec chaque couche pendant que je la pose, en pressant des éponges, du tissu froissé ou une pellicule plastique et en soulevant une partie de la glaçure humide pour révéler la couche précédente», note l'artiste. "Après avoir joué avec plusieurs calques de cette manière, un champ de couleurs impressionniste en résulte, avec des taches de calques de couleur individuels transparaissant." Siltala considère cette étape de construction de couches comme méditative, car elle exige qu'elle travaille calmement et lentement, en s'appuyant sur la patience pendant que chaque couche de peinture sèche. «C'est un très bel équilibre avec mon mode de vie trépidant d'élever deux jeunes garçons», dit-elle. «La vie avance très vite et je crois qu'il faut prendre le temps de nourrir l'esprit. Je suis toujours ravi lorsque les clients reconnaissent un sentiment de paix dans mes peintures, car je saisis ce que je cherche vraiment à exprimer dans mon travail: un moment calme de paix, de beauté et de simplicité dans un monde souvent chaotique. "


Voir la vidéo: Photo nature morte. Tutoriel photo (Août 2022).